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Pour le deuxième opus de notre série Cuban Classics, nous vous présentons directement cette sublime tranche de jazz afro-cubain de 1976. Il s'agit de l'un des actes les plus influents de Cuba, le Grupo Irakere. Fondé en 1973 par Chucho Valdés (fils du pianiste et chef d'orchestre cubain Bebo Valdés), le groupe a accueilli au fil des ans de nombreux musiciens cubains parmi les meilleurs. Avec un style et un son électrisants, ils ont mélangé la musique traditionnelle cubaine avec le jazz, le funk et le rock. Cet album éponyme comprend le très aimé et heavy-hitter dancefloor Chequeré-Son, un chef-d'œuvre de funk latino-jazz avec des lignes de cornes à sauver de bebop cubain, des touches luxuriantes et un fanfaron des années 70. Bien que 'Chequeré-Son' soit la clé de voûte du disque, l'album est ponttué d'éclat à chaque tournant, de l'Iya Carlos Santana-esque avec son pouvoir performant, à la 38 1/2 sensuelle, lisse et passionnée. Presse par Areito Records, le label d'État cubain, cet album afro-cubain raconte une réédition.

Grupo Irrakere

'Afro Blue' est un sublime chef-d'œuvre de jazz profond avec des versions intemporelles de 'People Make the World Go Round', 'Love From The Sun' et 'Afro Blue'. C'est sans doute l'un des meilleurs albums de son genre. Ce disque a longtemps été un objet recherché pour les DJ et les collectionneurs.

Afro-bleu

Album classique brésilien de 1977, avec l'incroyable 'Nao Adianta' et une brillante reprise de 'Que Nega É Essa' de Jorge Ben.

Trio Mocot

Glenn Fallows et Mark Treffel ont sorti leur premier album, 'The Globeflower Master Vol. 1, sur Mr Bongo en septembre 2021. Avec ses productions luxuriantes, chaudes et intemporelles rendant hommage aux compositeurs de musique classique des années 60 et 70, il a été très bien reçu et a frappé un accord avec les connaisseurs de la scène. Plus fort que la guerre a déclaré avec insistance : « Il est impossible de ne pas aimer The Globeflower Masters Vol. 1. ", avec Gigwise faisant écho à cette légère "légèrement vibes rétro convaincantes". The Globeflower Master Vol. 2 est la suite un peu plus audacieuse et adulte du premier album de Mark et Glenn en 2021. Pour cette excursion, le duo basé à Brighton a entendu se chercher un peu plus sur leurs influences de bande originale de film européen, avec une inspiration particulière tirée des œuvres de Stefano Torossi, David Shire et Roger Webb. Cette expansion de leur son s'appliie sur la richesse tapisserie de funk cinématographique à la David Axelrod, Serge Gainsbourg et Morricone qui a parlé Vol. 1. Ici, les arrangements, les mélodies et les harmonies ont été affinées ; il ne reste que ce qui est nécessaire. Tiré dans son vortex pour la ballade. Ce disque ne tire aucun coup de poing. Les enregistrements sont imbibés d’images visuelles ; ils stimulent les sens et invitent à errer. Des souvenirs bruteux et écrits d'été perdu sont déconchés ; la beauté d'écoute de la musique en conduisant le long d'une route déserte dans la campagne italienne bordée de cyprès se dirigeant vers le soleil et au-delà. Au fur et à mesure que le voyage musical progresse, nous faisons même un voyage vers une autre planète. Qu’il s’agit de souvenirs réels ou construits de scènes de cinéma et de télévision, les morceaux évoquant un sentiment de nostalgie et de confort. Comme toutes les meilleures musiques, 'The Globeflower Masters Vol. 2' sort de nous-mêmes même si ce n'est que temporairement. Pour consolider la forme du son, les batteurs Timmy Rickard et Ollie Boorman (qui a également figuré sur Vol. 1) et John Maiden (collaborateur de Tricky) ont saupoudré leur magie et forgé leurs timbres sur les enregistrements. La collaboration avec d'autres musiciens talentueux a contribué au tableau que Mark et Glenn voient venir. Le 'Globeflower Master Vol. 2' est un hommage approprié à la musique qu'ils ont et qu'ils ont approfondi et un ajout glorieux à leur monde musical.

Les Maîtres Globe-Fleurs Vol. 2

Mr Bongo présente le premier album de Finn Rees, originaire de Tasmanie, basé à Melbourne. Glissant à travers une palette tourbillonnante de teintes saturées, Dawn Is A Melody se sent vintage mais vibrant, nouveau mais familial en même temps. Un disque de jazz spirituel, profond et texturé, qui tire son chapeau aux grands du passé, capturant des souvenirs et les reformulant en nouvelles idées avec l'aide de certains des meilleurs talents de Melbourne. Expert du jeu de touches pour les groupes 30/70 et Elle Shimada, aux côtés de la moitié de Close Counters, ce premier LP a été le départ conscient de Finn du jazz groove. Au lieu de cela, Dawn Is A Melody place le piano et les arrangements au centre de la scène, donnant à Finn et à son équipe de Melbourne la liberté d'explorer les espaces entre les deux, de nouvelles émotions et des paysages sonores alternatifs. « Mon intention avec Dawn Is A Melody était de créer un monde ; un microcosme de couleur. Quelle a choisi de riche et de beau qui a permis aux mélodies et aux compositions d’entendre leur plein potentiel. Elle était animée par l’espoir, la curiosité et la recherche de la beauté et de l’assurance dans ce monde en constante évolution. L'émotion derrière la musique est vraiment sur le voyage de la vie, en grandissant et en changeant, aussi que ma relation avec les paysages naturels de Tasmanie où j'ai grandi, une partie du monde qui est incroyablement unique et belle. L'album se situe entre l'ouverture, le milieu et la fin. En parlant par l'optimisme de 'Looking Up' et 'Lagoon', le premier est une tranche de positivité céleste, marbrée de cordes et de harpe, le second un voyage spirituel d'expérimentation et d'espoir, les doigts de Finn dansant sur le piano à queue Yamaha des années 70. À partir de là, les chansons s'épanouissent vers l'extérieur avec le voyage cinématographique émouvant de "It's Behind Me Now" et "Expansion" d'inspiration brésilienne, alors que le divin "Crossing" signale une transition vers un nouveauya rouge. L'énergie est transformée des richesses textures cosmiques en un sentiment plus intime et personnel avec 'Ablaze', 'Between Spaces' et 'As It Passes' qui s'estompe avec un piano simple et des cordes pour serre le disque. Enregistré au Rolling Stock à Collingwood, Melbourne, Henry Jenkins a été recruté en tant qu'ingénieur d'enregistrement et de mixage, ses configurations de micro vintage minimal donnant une esthétique et une chaleur live aux arrangements. Lucky Pereira et Blakely McLean Davies forment la section rythmique solide comme le rock, avec une sélection d’autres talents de Melbourne, notamment Cheryl Durongpitikul au saxophone ténor, Siwei Wong à la harpe, Audrey Powne à la trompette et Allysha Joy au chant pour n’en aucun. En train un parcours d’Alice Coltrane, en passant par Herbie Hancock, à Arthur Verocai, c’est un début nourri par le passage mais ferment fait dans le présent. Un disque incapable d’être estampillé, jetant une ambiguïté quant à quand, à quelle époque et par qui il a été conçu. Comme un objectif vintage capturant une scène actuelle, Dawn Is A Melody est chaleureux et familial, mais concentré sur l'ici maintenant.

Dawn Est une Mélodie

Presse vinyle double LP. Communiqué de 2018. – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – Luis Pérez est né à Mexico le 11 juillet 1951. À partir de 1971, il concrétise une grande partie de son temps à la recherche sur l'instrumentation précolombienne. Cette recherche a permis de parcourir le territoire mexicain et d’étudier les traditions musicales des peuples autochtones du Mexique. Il a reçu des instruments de musique et les chansons de différents musiciens natifs, y compris Maya, Nahuatl, Mazateco, Yoem, Comcaac, Raramuri, Wixarika et plus encore. Sa collection personnelle d'instruments mexicains comprend des instruments ethnographiques encore utilisés par des groupes ethniques, ainsi que des artéfacts archéologiques dont ont plus de 2 000 ans. Il utilise continuellement ces instruments dans des performances, des concerts, des conférences, des expositions et des enregistrements, en un sens, les gardiens en vie. Après une décennie à jouer dans la scène rock psychédélique de Mexico, son travail solo était un mélange de sons dérivés de vaste éventail de vents préhispaniques et ethnographiques et de percussions qu'il a réussi à mélanger avec des appareils électroniques, y compris des appareils électroniques, des instruments de musique et des percussions. Pendant ce temps, il a été donné le nom Ixoneztli (ou "celui qui fait de la musique") par la légende curandera Pachita et son fils Enrique, à qui, comme Alejandro Jodorowsky avant lui, Luis a servi d'assistant. En 1981, le gouvernement mexicain a commencé à s'intégrer au travail de Pérez et a décidé de la production de ce qui est devenu le premier enregistrement de la fusion des instruments mexicains avec l'électronique institué Ipan In Xiktli Metztli, en langue maternelle Luna enohuat, en anglais, en français, en anglais et en anglais. Dans le nombre de la Lune. L'impact de cet enregistrement et des performances ultimes auprès des médias, des ethnomusicologues et du public a été établi Luis Perez Ixoneztli comme précurseur d'un nouveau genre musical suivi par une génération de jeunes musiciens mexicains - Ethno-Rock, Ethno-Jazz, Ethno-Experimental et ar 'El ombligo de la Luna' nous parvient du plus profond du passé, mais il existe aussi actuellement en dehors du temps, comme l'offre de Luis Pérez 'Ixoneztli au monde - l'âme du Mexique canalisée par les mains d'un maître musicien.

Ipan In Xiktli Metztli - Mexicain Magico Cosmico El Ombligo de la Luna

Album séminal de funk-rock initialisation sorti sur Rare Earth en 1970. Mettant en vedette le monstre breakbeat sur "Le sorcier d'Isis". Formé à Detroit en 1968, Power of Zeus est devenu le premier groupe de rock à être signé par le label de Motown Rare Earth. Le groupe s'est inspiré des gérants britanniques du hard rock et du heavy metal comme Cream, Black Sabbath et Led Zeppelin lorsqu'ils ont créé cet album post-hard rock bien produit. Après The Gospel D'après Zeus, le groupe n'a jamais fait un autre album et a glissé dans l'obscurité, jusqu'à ce qu'il soit découvert par les créateurs de hip-hop. Le rythme de batterie de "Sorcerer of Isis" a été un des plus enchantés dans la musique hip-hop, y compris KRS-One, Kanye West, Jay-Z, Cyprus Hill, Tribe Called Quest et Eminem pour n'en nommer que quelques-uns. Masterisé par Miles Showell à Abbey Road Studios, Londres. Transféré à partir de 2 bobines analogiques de 1/4" à 192 kHz/24 bits. Édition officielle de Mr Bongo. Parution pour le magasin de disques 2019.

L'évangile selon Zeus

Hozan Yamamoto est un peu obsédé par M. Bongo! Une légende du jazz japonais, il est à juste titre considéré comme un véritable maître et a été reconnu comme un trésor national vivant par le gouvernement japonais en 2002. Pendant cinq décennies, il a poussé le genre dans de nouvelles directions, absorbant la fusion, le funk, le jazz spirituel et bien d'autres sons, ce qui a donné lieu à une discographie analysée de pierres précieuses d'une beauté rare. L’exploration de son catalogue nous a emmenés dans un voyage passionné qui nous voit maintenant rééditer une autre œuvre de ce musicien révolutionnaire. Bien que ne traduisant pas parfaitement en anglais 'Akuma Ga Kitarite Fue Wo Fuku', (kitarite n'a pas été expression moderne en japonais) signifie à peu près 'Le diable vient jouer de la flûte' / 'Le diable vient tout en soufflant le soufflet'. Il s'agit de la bande originale du film mystère et suspense de 1979 de Kôsei Saitô, 'Devil's Flute'. Le film est basé sur une histoire du célébrité auteur, Seishi Yokomizo, et est centré autour d'un détective japonais fictif très aimé, Kosuke Kindaichi. Un Sherlock Holmes japonais qui a été populaire pendant des générations. Hozan Yamamoto a été à composer la bande originale directement par le producteur du film, Haruki Kadokawa. M. Kadokawa a également engagé le claviériste et producteur Yu Imai en tant qu’assistant producteur sur le projet, ce qui a donné lieu à une superbe bande sonore cosmologique, funk, disco et chargée de breaks En ce qui concerne la bande sonore et la technologie de l'époque, Hozan Yamamoto et Yu Imai ont fait preuve d'inventivité, ont trébuché, se sont amusés et ont expérimenté, créant un chef-d'œuvre de bande sonore excentrique qui devait être hébergé dans le cadre d'un projet japonais expérimental. Contrairement à l'orientation musicale japonaise plus traditionnelle de certaines de ses autres albums tels que 'Beautiful Bamboo-Flute' (également sorti sur Mr Bongo), l'album présente un certain nombre de genres, de la musique de scène atmosphérique, aux grooves disco plus funk, ainsi qu'une expérience, une expérience et un jeu. Un disque spécial qui met en valeur les talents de ce merveilleux musicien.

Akuma Ga Kitarite Fue Wo Fuku

Album suivant au premier album culte classique, Mantra Moderne. Melodi est le deuxième album du duo Kit Sebastian (alias Kit Martin et Merve Erdem). Ces qui sont familles avec le premier album culte du groupe en 2019, Mantra Moderne, reconnaît instantanément leur son unique qui brouille les frontières de la musique du monde, du jazz et du psychédélisme. Pour ne pas reproduire le même album, soniquement, la sensation de 'Melodi' est une maturation. Il est diversifié et donne un aperçu de nombreux mondes différents, de la Riviera italienne aux montagnes du Caucase, des plages de Bahia aux rues de la ville d'Istanbul et de Paris. Cette joieuse fusion de paysages sonores évoque une planète sans frontières avec la musique comme langue internationale, participant partout et nulle part. "Melodi" est imprimé de l'amour de Kit Sebastian pour les disques vintage et le cinéma mondial, mais ce n'est pas un hommage rétro. Il célèbre ses influences mais est un disque moderne, à la fois nouveau et rétro. C'est un un honneur pour le travail du duo en tant que musiciens et auteurs-compositeurs, présentant leurs influences comme une interaction circulaire entre le présent et le passe-temps que linéaire. La musique a été écrite lors du premier confinement au Royaume-Uni et enregistrée cet été-là, une période d'ouverture qui n'existe que trimestre. Dans un monde plus prêt qu'avant la crise de Covid, le groupe a pu passer plus de temps à expérimenter en studio. La gamme d'instrumentation de l'album S'est élargie à partir du disque précédent pour inclure des cithares, des clavecins, des congas, des bongos, des bulbulbulbulbul tarang, et une chorale fictive sur les synthétiseurs, les balalaïkas, les orgues et les saxophones. Les musiciens de session et les amis ont également invité à introduire des sections de trompette et de cordes donnant à l'album une profonde et une texture orchestrale supplémentaire. Malgré la complexité supplémentaire, l'album a été enregistré en utilisant les mêmes techniques utilisées pour l'album précédent avec diverses machines à bandes, rebondissant entre la cassette et la bande 14 "pour la pratique et l'abstraction sonore. Pour transpercer cette abstraction, les voix sont intentionnellement plus expressives. Merve S'inspire des chanteurs turcs de sa jeunesse, ajoutant un style un peu plus mélancolique, plus sombre et plus réfléchi que 'Mantra Moderne'. Enracinés dans les observations de la vie quotidienne, ils parlent alors des mondes et des pensées qui s'encadrent de la fin de la nuit. Comme avec beaucoup de beaux albums, le disque se termine trop haut et vous avez immédiatement envie du jeu à nouveau. À écouter, vous décidez d'une piste que vous pensez être votre préféré de l'album pour la remplacer par une autre à l'écoute suivante. Les chansons et la production ont des profils cachés qui semblent évoluer et se transformer au fur et à mesure que vous les dévorez. Des moments de pure pop, des moments pour graver amoureux, des moments pour contempler. Ce voyage est riche en vitamines musicales et en nourriture, mais comme toutes les meilleures choses, vous en avez encore plus.

Melodi

Various Artists Jean-Pierre Leclerc, Vol. 2 Vinyl. Various Artists La Vie de l'artiste, Vol. 2 [10/27]

Divers Artistes Mr Bongo Record Club, Vol. 2 Vinyle

Si The Children Of Scorpio de 2022 a été le premier album qui a transformé les gens dans le monde du projet Gemini alias Paul Osborne, Colours &amp; Light est l’ensemble du travail qui sera entré en profondeur dans leurs cœurs. C'est un album majeur, réunissant les mondes du folk rock, des bandes sonores psychiques et du funk cinématique brumeux. Une confiance et une aisance croissantes émanent de l’écriture et de la production de ce second LP, refordés par la réception de ses débuts remarquables. "C'est un disque plus stratifié et diversifié", mentionne Paul, "avec un son plus tourné vers l'extérieur et global, né des disques que j'écoute et des musiciens avec lesquels j'ai eu la chance de collaborer". Il se sent bien sûr de lui, avec un kaléidoscope de sons qui se tortent ensemble d'une manière hypnotisante. En équilibrant la lumière et l'ombre sur ce disque, il y a de la beauté et de la tension enveloppées dans le cadre de narration vif et viscérale de Paul.

Couleurs et Lumière

Ici, chez Mr Bongo, nous avons inondé de gens nous demandant de rééditer cette publication. Le petit classique culte d'Ana Frango Elétrico, Little Electric Chicken Heart, sorti en 2019 au Brésil et au Japon, est rapidement développé un objet de collection. Bien reçu par les fans, les DJs et les critiques lors de sa sortie, The Needle Drop a imprimé "La fusion authentiquement vintage d'Ana Frango Elétrico de la musique de chambre, du rock, de la samba et du jazz est une véritable explosion!" l'écrire comme l'un des 50 meilleurs albums de 2019. La réputation de l'album S'est construite depuis, obtenant une nomination aux Latin Grammy en 2020, et se consolide maintenant comme un joyau de la musique brésilienne contemporaine. Au cours des neuf albums, Ana mélange des éléments et des influences de MPB, Tropiclia, indie rock, punk et pop, les forgeant ensemble avec une sommueuse dose de son style signature. La finesse de 'Saudade' donne le coup d'envoi du LP, l'un des morceaux les plus connus d'Ana à un public non brésilien. Un sublime ouvreur, en commençant par un solo de piano appelant avant de se transcender en une belle tranche de chaleur chargée de rêves, avec des cors jazzy succulentes et une voix familière. Promessa e previses est le seul titre de l'album à ne pas avoir écrit par Ana, mais par Chico França. C'est un sillonneur de crépuscule qui se gonfle et se brise, constituant et traversant des pics absorbants. Parmi les autres faits voilers de l'album, cités l'hymne "Chocolate", qui était un favori avec une faute de chants emballés lorsque nous avons entenu Ana le jouer en direct. Ailleurs, "Se No Cinema" frappe avec son allure excentrique, son charme et ses mélodies accrocheuses avant de se transformer en un esprit de carnaval. Exploitant la richesse de la nouvelle vague d'énergie musicale du Brésil, l'album comprend également une gemme de collaborations avec des artistes tels que Dora Morelenbaum (Bala Desejo), Tim Bernardes, Antonio Neves et Guilherme Lirio pour n'en nommer que quelques-uns. Un disque court, doux et rafraîchissant, qui ne laisse rien à perdre, même des idées ludiques à des thèmes poignants. 'Little Electric Chicken Heart' est un futur classique et ravira les fans des enregistrements brésiliens des années 70, Gal Costa, Mac DeMarco, Stereolab, Superorganism, Caetano Veloso et plus encore.

Petit Cœur de Poulet Électrique

Ritual Label/Studio: Mr Bongo Format de l'album: LP UPC: 711969125115 Date de sortie: 2013-06-11

Rituel

Pistes : Ise Aje Homme Egbe Kegbe Emi Koni Koja Ayemi Osupa Lomode Nsere Ere La O Je Labo Oko Alapa Ma SiseFormat: VINYLDate de sortie: 22 novembre, 2019Étiquette: Mr Bongo

Shina Williams

The Brkn Record est un nouveau projet dirigé et produit par Jake Ferguson, le co-fondateur et bassiste de la formation britannique de deep jazz Heliocentrics. Avec son co-fondateur et batteur légendaire Malcolm Catto, Heliocentrics, Ferguson collaboration régulière avec des artistes mondiaux reconnus, dont Archie Shepp, Mulatu Astatke, Melvin Van Peebles, Orlando Julius et bien d’autres. L’Architecture of Oppression Part 1 représente les débuts de Ferguson en tant que chef d’orchestre et orchestre, et se manifeste comme une réponse engagée et complète d’émotion au racisme anti-noir, à l’oppression sociale et à la violence d’État, tant chez nous le noir dans Londres Combinant poésie, témoignage et chanson avec des arrière-plans riches et cinématiques, Ferguson a produit un son sui generis qui évoque des sauveurs d’Arthur Verocai, Ennio Morricone, des productions de bibliothèques classiques, le jazz profond de style Madlib bat la science et l’âmepsy. Avec Malcolm Catto à la batterie, Ferguson S'appuie sur ses longues années d'expérience collaborative dans les Heliocentrics pour construire un album d'une texture et d'une profondeur voisines.

L'architecture de l'Oppression Partie 1

Le prochain album de la série Mr Bongo Cuban Classics, est l'un des albums les plus connus et aimés de Juan Pablo Torres, l'emblématique Super Son de 1977. Un disque merveilleux de Rumba trébuché, funk afro-latin et des pistes orchestrées excentriques avec une section de cornes de big band gracieuseté du groupe de Torres, Algo Nuevo. En plus d’être le réalisateur d’Algo Nuevo et de l’ensemble cubain d’étoiles Estrellas de Areito, le tromboniste, chef d’orchestre, arrangeur et producteur a également sorti une multitude d’albums sous son propre nom, principalement sur la marque d’État Areito / EGREM. Après la révolution, il y a eu un contraste dans le monde musical cubain. La censure d'État en jeu, mais les musiciens professionnels étaient sur la liste de paiement du gouvernement qui leur donnait une liberté artistique. L'expérimentation a émané dans les années 70 et 80 et Super Son en est un excellent exemple. 'Y Que Bien' lance l'album en vous faisant graver sur un tripped-out, un lapin cosmique, des guitares psychédéliques et des voix skat s'ouvrant dans un joyeux groove entrecoupé de coups de couteau jazzy afro-cubains. Des pistes telles que «Pastel en Descarga» semblent sortir de nulle part et sont complètes uniques. Des lignes de guitare et des percussions ébouriffées ont jeté les bases, ces cors jubilatoires adjoints à l'énergie de cette piste de construction éternelle. Ailleurs, il y a le sentiment de régulation de la télévision des années 70 de 'Con Aji Guaguao', un numéro de funk ludique qui bout et bouillonne avec un trombone clignotant joué par Torres. Ou « Son A Propulsin » et « Son Riendo », deux autres exemples brillants de funk psychique, enveloppés dans une couverture de rythmes afro-cubains. Le premier vous balaye dans des rafales de vent alors que trompettes, trombones et guitares déformées s’échangent, le second, une fête intergalactique de tradition et d’exploration. Super Son est l'un des disques cubains les plus droles, une fusion ludique d'idées d'un producteur, d'un joueur et d'un groupe sur la forme fine et, pour nous, l'un de nos joyeux préférés à sortir de Cuba à cette époque. Un chef-d’œuvre.

Super Fils

Une édition pour la première fois d'une très recherchée et rare cépage brésilienne MPB / Funk de 1974. Les singles ou les compacts brésiliens de 7 pouces sont un peu négligés en dehors du monde des collectionneurs et des DJ brésiliens avides, mais voici où certains des joies les plus exquis de la riche tapisserie musicale du Brésil. Cette version est en préparation depuis longtemps, mais nous sommes encore en train de présenter une réplique de l'un de nos 7 Brésiliens préférés - le remarquable "Morro Do Barraco Sem gua" de Lemos E Debétio (alias Toninho Lemos &amp; Paulo Debétio). Découvrir des pistes comme « Morro Do Barraco Sem gua » vous veut envie d'aller le mile supplémentaire. Vous passez un peu plus de temps que ce qui est rationnel à examiner et à dépoussiérer une pile de 7 à la recherche d'un joyeux insaisissable, ou vous terminez par séparer dans un trou de ver Internet en dirigeant du temps que vous n'avez pas de avant de devoir travailler. C'est un effort calculé, car la récompense des vitamines musicales revitalisantes sur lesquelles vous tombe est le gros gain. Morro Do Barraco Sem gua est sorti sur Odeon Records en 1974, et même s'il s'agit d'un label majeur, il reste extrêmement difficile à trouver. Dès le premier moment où l'aiguille frappe le groove avec sa guitare et son tambour, vous sauvez que la chanson est spéciale. Une mélodie addictive qui fait du bien avec des arrangements fantastiques et un backbeat funk palpitant, qui est terminée trop tard. Nous espérons que vous appréciez ce trésor audio autre que nous!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!! [!!!!!!!!!!!!!!!!! [ [ [ [ [.........................................(((((((((................................................................. !

Morro Do Barraco Sem Agua - Vert

Annonçant le premier album de l'un des actes les plus électrisants de Londres, New Regency Orchestra. Un big band afro-cubain de 18 musiciens, inspiré par le melting pot musical de New York dans les années 1950, mais avec le punch et la puissance de toute une faute des meilleurs musiciens latins et jazz de Londres. En insufflant une nouvelle vie à ces compositions, l’album est une réinvention de certaines des meilleures musiques de cet âge d’or. Depuis le début des années 1950, René Hernandez et Tito Puente, jusqu'aux années 1970, la salsa de Rafael Labasta et Orlando Marin, produit et joué avec un feu frais. NRO est l'idée originale de son directeur artistique, et l'homme derrière Total Refreshment Centre et Church of Sound, Lex Blondin. Grâce à une passion de longue date pour le jazz, Lex a découvert les rythmes afro-cubains explosifs du milieu des années 1940 à New York via le parcours du jazz afro-cubain, Mario Bauz. À une époque où deux mondes musicaux se sont affrontés dans une fusion de créativité et d’énergie, des foules du jazz comme Dizzy Gillespie et Charlie Parker se sont associés à des grands noms comme Machito et Chano Pozo. Ce son vibrant était une musique à danser et a trouvé sa place au New York Palladium, un espace formateur de liberté et d'expression qui était la clé du développement de la scène. Bien que la danse se concentre sur leur composition, ces premiers enregistrements ne sont pas suivis d'un intérêt dans les clubs modernes et Lex rêve de raconter leur histoire avec un dynamisme contemporain. Une tranche de priorité s’ensuivit, alors qu’une place dans un nouveau festival s’ouvre et que Lex sait sur l’occasion de faire cette idée une réalité, un big band de 18 musiciens insufflant une nouvelle vie à ces chansons bien-aimées. S’appelant sur l’expertise de certains des meilleurs talents de la capitale, Lex et le co-capitaine Andy Wood, de Como No fame, ont mis sur pied un line-up de talent de classe mondiale. Avec Eliane Correa comme directrice musicale et chef d'orchestre, un groupe de 18 musiciens fluides et interchangeables a été formé. L'album lui-même est une sélection de classiques intemporels du jazz afro-cubain, réinventés avec l'énergie débridée de NRO. Il continuent dix pistes instrumentales incroyables, dont Pregon avec ses coups de corne et le rétablissement de tête addictif de Mambo Rama, aussi que deux nombres vocaux brûlants dans Papa Boco et Labasta Llego. Couplant une section rythmique de poids lourds avec un mur de cors, ils offrent un nouveau spin sur des chansons de Tito Puente et Chico O'Farrill, René Hernandez à travers à Rafael Labasta. « Certain morceaux comme Mambo Rama de Tito Puente et Scarlet Mambo peuvent aller à la salle de sport après des batteries supplémentaires et du synthétise basse y ont été ajoutées, tandis que le morceau Sahib &amp; Tito est un mélange de Mambo Buda de Tito et de Nus de Sahab Shihab. Notre intention est à la fois d'être respectueux envers les innovateurs et les inventeurs de cette musique incroyable et de payer nos cotes, mais aussi d'être respectueux de quelque chose de spécial de Londres où la nouvelle scène jazz de la ville se connecte avec ses musiciens latino-américains influences et musiques qui nous inspirent. Cette pure joie collective, cette expérience partagée et cette musique à laquelle vous ne pouvez pas vous déplacer.

Nouvel Orchestre de Régence

Nous voici à l'aube d'une nouvelle série de compilations et nous allons avec un joyau absolu qui présente une sélection de disques difficiles à trouver (certains impossibles à trouver) et certains qui se sont cachés à la vue de tous depuis le début. Ils partagent tous les qualités communes, tant qu’ils sont beaux, des chants d’amour, de paix et d’unité. 'With Love: Volume 1' a été compilé par Miche et présente une sélection de musique brésilienne, gospel, soul moderne et jazz-fusion. Nous avons des raretés brésiliennes d'Alcione et Quientaessencia, UFO gospel de Keith Chism &amp; Light, les sons jazz-funk/AOR de City Lites tirés d'un album de Radio Station, et l'âme émotionnelle hymne de Belita Woods pour n'en nommer que quelques-uns. La recherche d’artistes et de musiciens du passé est une forme d’art. Comme une souris qui recherche des friandises, parfois les prix sont faciles à parcourir, et à d'autres moments, c'est le résultat de nuits très tardives à la traîne à travers les profils Facebook, les babillards, les impasses et les harengs rouges, et tant la recherche Cette compilation est un véritable travail d'amour avec les artistes traqués et licenciés par Miche. L'ambition du connaisseur musical londonien est depuis longtemps de compiler un album, et comme tout ce qui nécessite de l'artisanat, des soins et des connaissances - cela prend du temps. Il y a un beaucoup de rebondissements dans la casse aux disques qui font tomber votre mémoire. En 2018, alors qu'il n'avait que 24 ans, Miche est développeur musical pour l'illustration groupe de salles londoniennes Spiritland. De ce sanctuaire musical, il a pu écouter, apprendre et rencontrer certains des meilleurs lecteurs du monde entier. C'était une éducation musicale, et il a été particulièrement habillé par les sessions profondes de DJs tels que Mark Taylor, George Arthur, Kev Beadle, Patrick Forge, le Dr Bob Jones et Colin Curtis pour n'en nommer que quelques-uns. Il a également profité de cette période pour lancer son label de réédition Discs of Fun and Love avec son copropriétaire et ami Frederika. Parfois, les compilations cyniques de knock, il y a un certain snobisme parmi certains à propos du presseage original, mais la musique ne doit pas être seule question de collectionneurs hasardeux qui donnent de grosses sommes d'argent aux retourneurs de disques. Il s'agit également d'un pont vers le passé, d'une célébration de l'héritage de quelqu'un, et d'une deuxième chance pour le travail initial négligé de briller. Comme toutes les meilleures compilations, elle a compilé avec amour.

Avec Amour Volume 1, Compilé par Miche (Divers Artistes)

Pour la troisième sortie de notre série Mr Bongo Cuban Classics, nous avons réalisé le premier album emblématique de 1974 du puissant groupe Irakere. Dirigé par Chucho Valdés, fils du pianiste et chef d'orchestre cubain Bebo Valdés, le groupe hérite l'un des groupes les plus influents et les plus proches de cette période. Leur premier "Teatro Amadeo Roldan Recital" est un chef-d'œuvre afro-cubain incroyable et jazz-funk qui a atterri à l'origine sur la marque d'État cubaine, Areito. L'un des Joyaux de l'album est la bête d'un ouvre-boîte, 'Bacalao Con Pan'. Un graveur de dancefloor Latin-funk lourd, avec une guitare Wah-Wah déchirant, un mélange boursouflant d'éléments de percussion latine et de klaxons allumés sur tous les cylindriques. C'est une chanson qui construit et rompt avec une énergie et une puissance qui éclairent encore la danse jusqu'à ce jour. Au début, le "Récital Teatro Amadeo Roldan" de Grupo Irakere est à peu près aussi bon qu'il peut l'être et donner un apéritif de Cuba au milieu des années 70, avec un groupe qui était destiné à de grandes choses.

Teatro Amadeo Roldan Recita

Maria Rita est une pionnière de la musique qui était en avance sur son temps. En entendant pour la première fois sa chanson, Cântico Brasileiro No.3 (Kamaiur), nous avons pensé que cela revenait à un remix contemporain qu'un artiste tel que Carl Craig aurait pu produire. En fait, il est sorti en 1988 et a été tiré de l'album Brasileira de Maria, sorti sur l'empreinte brésilienne indépendante Acorde. La chanson allait gagner un statut culte avec son inclusion sur la superbe compilation «Outro Tempo» de John Gomez, sortie sur le label Music From Memory en 2017. Ce classique culte fusionne l'électronique new-age avec la voix indigène et les rythmes amazoniens. Il est beau et unique et vous emmene dans un voyage à travers différentes humeurs, textures et plans éthérés. À travers les sons créés par Maria, vous la rejoignez dans un voyage intemporel vers l’avenir tout en embrassant ses puissantes racines.

Brasileira

Idrissa Soumaoro, L'Eclipse de L'I.J.A. 'Le Tioko-Tioko' est sorti en République démocratique allemande (RDA) en 1978 et a longtemps été un favori chez Mr Bongo. Deux titres de l'album ont été présentés sur notre compilation 2017 'The Original Sound Of Mali' (MRBLP135), et nous avons ensuite sorti le titre 'Nissodia' sur son propre 12" (MRB12053) en 2020, avec un dancefloor clignotant réalité par Mike D des Beastie Boys. 'Le Tioko-Tioko' est l'un des albums vinyles les plus rares de la discographie vinyle malienne déjà rare, en partie parce que l'album n'a jamais été publié commercialement, seulement distribué indépendant par l'Association malienne pour les aveugles à Bamako. Bien qu'enregistré à Radio Mali sous l'empire du maître ingénieur Traoré, l'album est initialement sorti en Allemagne de l'Est. Les cassettes ont été prises par des étudiants maliens à Berlin-Est dans le cadre d'un programme d'échange d'étudiants. Il a ensuite facilité et commercialisé sur le marché est-allemand.

Le Tioko-Tioko

Pressage vinyle LP. Édition officielle Mr. Bongo de l'album ultra-rare de Super Elcados. Une fusion de funk, de soul et de disco nigérians, initialement publiée par EMI Nigeria en 1976. Les Super Elcados (et Elcados sur d'autres enregistrements) ont enregistré trois albums au milieu et à la fin des années 70, c'est leur premier. Ce monde est plein d'injustice et de ce dont vous avez besoin.

L'unité Est Toujours une Bonne Entreprise

Pressage vinyle LP. Édition remasterisée numériquement. Album ghanéen légendaire - avec l'une des reprises emblématiques de la musique! - qui fusionne Highlife, afrobeat, folk et funk. Premier album solo d'Ambolley sorti en 1975, écrit et produit avec Ebo Taylor. Ambolley a grandi au sommet de Highlife au Ghana et a été une figure clé dans sa fusion avec les influences soul et funk des États-Unis. Il a joué dans de nombreux groupes dont Houghas Extraordinaires, Meridians Of Tema, Ghana Broadcasting Band et le Uhuru Dance Band, pour lequel il a été recruté par son ami, Ebo Taylor. Le groupe est allé au Nigeria en 1973 pour jouer avec Fela à son légendaire lieu de sanctuaire. « Simigwa » fut l’occasion pour Ambolley de sortir ses propres productions et d’expérimenter dans une certaine mesure. L’inspiration principale de cet album a été le travail du puissant Mr. James Brown, ce qui est évident dans la section rythmique, les cors, les coups de chant et les percussions tout au long du disque.

Simigwa

À 1000 miles des cœurs musicaux de Rio et de So Paulo à la fin des années 70, la ville brésilienne de Belém a donné naissance à un label peu connu Erla - Estudio Rauland. Bien qu'il ne soit pas prolifique dans sa production, le label l'a compensé en qualité et en offres expérimentales, avec plusieurs disques sur le label faisant maintenant des pièces recherchées parmi les collectionneurs. L’une de ces sorties est le sublime EP de quatre titres psychédéliques, MPB et rock de l’auteur-compositeur-interprète Jarbas Mariz. Bien que l'EP ait été enregistrée en 1977, il S'est clairement inspiré des idoles hippies psychédéliques de la décennie précédente et aurait ainsi pu être une bande sonore d'une scène de trip acide dans un obscur film brésilien. Low-fi et excentrique, il y a des moments de beauté et de splendeur, mais aussi des notes d'obscurité; avec un équilibre sublime de musique et de styles. À certains moments, Jarbas vous fera dériver à travers une rêverie de flûte folk, le moment suivant, une guitare à la psyché déformée se brise et vous sépare du calme.

Transas Do Futuro

Réplique officielle d'une rareté jazz-funk sud-africaine de Teaspoon &amp; the Waves. Sortie en 1977 sur Soul Jazz Pop, un label filiale de Mavuthela Music Company / Gallo, l'album éponyme de Teaspoon &amp; the Waves est un chef-d'œuvre absolu. Mieux connu pour la chanson « Oh Yeh Soweto », qui est une adaptation tonique de l’hymne de Lamont Dozier « Going Back to My Roots », ce morceau est développé un classique contemporain du club underground ces derniers temps et a été présenté dans des sets de DJ. Avec une telle chanson de carte de visite massive, il faut être facile d'écrire l'album comme un one-tracker typique (comme tant de disques sont connus), mais c'est loin de la vérité. Unité des quatre circuits restants est super fort et, pour nous ici chez Mr Bongo, cela doit être notre record sud-africain préféré de cette époque. "Saturday Express" est un stomper jazz-funk/disco qui va venir rythmer les dancefloors. Wind and Fire est une véritable excellence afro-jazz-funk, avec de grands synthétisés spatiaux et des grooves de guitare inspirés du reggae. L'ouverture, "Friday Night", a également été un groove tropical léger-teinte, tandis que "Got Me Tight" termine la session avec un accompagnement jazz-funk de bien-être qui comporte des synthèses cool, excentriques, Patrick Adams-esque. Le saxophoniste Teaspoon Ndlela a eu une carrière musicale incroyable et riche. Sortie d'albums sur les labels Soul Jazz Pop, Hit Special, Gallo GRC, aux côtés d'artistes sud-africains tels que Mpharanyana, Stimela, Sipho Gumede et Sgu. Il figure également sur la piste de Paul Simon, « Gumboots », sortie du projet emblemétique « Graceland ». Bien que mieux connu pour 'Oh Yeh Soweto', nous espérons que cette édition aidera à démontrer qu'il y a plus de magie dans le répertoire de ce merveilleux musicien à découvrir. Couverture de l'hymne de Lamont Dozier 'Retour à mes racines'

La Cuillère à Thé et les Vagues

Compiler le suivi d'un premier album très réussi est toujours une tache délicate, mais à peine 12 mois après la sortie du volume 1 de la série "With Love", Miche s'est encore une fois excellé avec une autre plongée glorieuse et profonde dans le monde de l'âme. 15 morceaux de musique indépendante, créés par de magnifiques artistes avec des histoires à raconter et prêts à être découverts. L’ambition de célébrer les artistes sous le radar est restée, mais au lieu d’un fac-similé du premier volume, ce que nous avons ici est une sélection faite par des changements de vie. Le volume deux est pour les danseurs; toujours soulful, encore ultra-rare et endormis des États-Unis, du Chili, du Brésil et au-delà, mais la dynamique de la collection a légendairement changé. Il présente un mouvement d'être immergé dans une semaine dans un environnement de belle musique soul dans un bar confortable, faiblessement éclairé hi-fi à jouer de la musique plus animée, plus énergétique, dancefloor-axee dans les boîtes de nuit.

Avec Amour Vol. 2 Compilé par Miche / Divers

Pour la prochaine édition de la série Cuban Classics de Mr Bongo, nous allons tourner vers l'album instrumental de 1977 de Ral Gmez. Présentant un mélange unique de disco orchestrale et de jazz-funk, avec des sauveurs afro-cubaines et des influences de bande sonore, il est riche en pauses de batterie, en énergie et en compositions en évolution. Un disque qui vous tient à coeur en haleine, emballé par un orchestre exemplaire au sommet de sa forme. Le compositeur et chanteur cubain Ral Gmez est connu pour avoir joué dans les groupes Mirtha y Raul et Los Bucaneros aux côtés de la production de l’album classique cubain Los Reyes 73, parmi une faute d’autres productions incroyables au fil des ans. Publié sur le label d'État cubain Areito, Instrumental considère Gmez non seulement comme un instrumentiste et un auteur, mais aussi comme un producteur et un arrangeur. C'est un album qui accueille au pigeonholing. Flottant entre musique d’ambiance instrumentale et maîtrise de la bibliothèque/piste sonore, suivi d’explosions de funk cosmique-latin, d’accompagnements de guitare psyché et de compositions qui réflètent la disco orchestrée sortant des États-Unis à l’époque, de grands noms tel. Dentelle qui, avec une bonne dose de magie afro-cubaine pour soutenir les pistes et c'est une recette pour un disque qui captive du début à la fin. Principalement un album instrumental comme le titre, le disque met en valeur l'Orquesta EGREM en plein flux, des cordes et des cors vibrants à chaque tour. Les points forts incluent «Mi Samba Carnaval» avec sa pause de batterie à couper le souffle, ses synthétisés bouillonnants et ses arrangements sublimes et les impressions romantiques de la musique de film de «Tema de la Sierra», qui ont été une source d'échantillonnage pour de nombreux producteurs. Ailleurs, « 6 Son » est une guitare psychédélique époustouflante, avec « Dacapo », écrit par Gilberto Peralta, offrant une tranche de mélange latin atmosphérique et énergétique. L'un des rares morceaux où les voix scat complètent les sons orchestraux, un thème de percussion brésilien se marie avec des sensibilités dancefloor pour une dose de bien-être et de brillance. Instrumental est un album multidimensionnel de grande envergure qui expose la musicalité, la composition et la créativité à son meilleur et montre un autre exemple clé de la riche production musicale qui a coulé de l'île de Cuba après la révolution.

Raul Gomez

Cesar Camargo Mariano est un pianiste, compositeur et producteur de jazz brésilien, né à Sao Paulo dans les années 1940. Il a joué et travaillé avec Elis Regina (avec qui il a été marié à un moment donné), Som Tres et Sambalanco Trio et joue encore très régulier aujourd'hui. 'Sao Paulo Brasil' a vu Mariano et consorts. Entrez profondement dans le territoire du jazz funk / fusion - et cliquez-le. Des grooves serrés et durées, des arrangements complexes, des canapés de synthétiseurs, des percussions et des FX transportent et racontent une histoire du premier temps. Édition officielle Mr Bongo. Licence de Sony Music.

Sao Paulo Brasil

Nous sommes tombés sur Al Muntzie's sous le radar de la beauté de l'âme 'Die Happy' après avoir mené une interview avec Joe Quarterman pour un reportage sur notre site Web. Cela nous a fait parvenir à propos de la perspective de nouvelles productions, que Joe avait enregistrées, mais qui avait peut-être été négligées. "Die Happy" est sorti en 1976 et était le seul sur S.B. Moon Records. Le disque a une ambiance de crossover car il se trouve magnifiquement entre soul moderne, funk et proto-disco. Les premières recherches n'ont pas été biencoup élu le fond de la chanson. La piste était clairemée, à l'exception du disque figurant sur la liste des vendeurs de collectionneurs d'âmes rares et des revendeurs de disques. Nous avons décidé de revenir à la source et de découvrir l'enregistrement directement auprès de Joe lui-même. « J’ai rencontré Al Muntzie par l’intermédiaire de mon bassiste, Elliot Adams. Elliot m’a informé qu’Al recherche une chanson funky et adaptée à un groupe. À cette époque, 1976 - 79, j'avais écrit les mots et la mélodie de « Die Happy » et Elliot a sorti une partie de basse enchantée qui a donné la vie à la chanson. Il faut être crédité en tant que co-scénariste pour sa partie de basse exceptionnelle. À cette époque, mon groupe, FreeSoul, s’est dit malade et travaille comme musiciens sideman. Elliot et moi avons fait une démo de la chanson sur une cassette et nous avons laissé Al Muntzie l'entendre : il a aimé. Nous avons fixé une date d'enregistrement au Omega Recording Studio dans le nord de la Virginie. Nous utilisons une combinaison de deux bandes ; FreeSoul et Experience Unlimited (UE). Al chantait la voix principale et moi et les Embracebles faisions les voix de fond. Al a été très coopératif et n’a pas beaucoup parlé pendant la session. Il a suivi ma direction et a fait le travail. La session a duré toute la journée jusqu’à la fin de la soirée où nous avons mélangé et maîtrés l’air à la perfection. Nous avons passé un bon moment à créer cette œuvre d’art. » Nous sommes toujours connaisseurs à Joe de nous avoir donné l'occasion de présenter cette production fantastique d'Al, Elliot et Joe, et de lui donner le nouveau souffle qu'elle mérite à juste titre.

Mourir Heureux - Rouge

Pistes : Jeunesse Wilila Teiba Lou Tounouna Kombisse Whisky Et Coca-Cola M'ba Lale Boy Cuisinier Sie Koumgolo (Feat. Dafra Star)Format: Vinyle (2 disques); StéréoPays: USADate de sortie: 15 décembre, 2017Étiquette: MR BONGODimensions: 31.6 x 1.3 x 31.8 centimètres (0.34 kg)

Son Original de Burkino Fasso / Divers

Poursuivant la série de M. Bongo explorant la richesse du matériel publié par les labels de Sonny Lester, Funk Reaction de 1977 trouve Lonnie Smith, virtuose de l'orgue Hammond B3, dans son environnement dancefloor le plus convivial. Dégoulinant de groove et de swagger, cet album même jazz-funk, éclat disco cosmique, slow-jams et âme psychédélique consciente. Après avoir joué avec George Benson et Lou Donaldson dans les années 60, en plus de sortir une série d'albums sur Columbia et Blue Note, Funk Reaction voix Smith s'installe sur un territoire délimité de disco à la fin des années 70. Sorti à l'origine sur Groove Merchant Records, successeur de Sonny Lester, l'album extrait plus à un projet collaboratif axé sur le groupe qu'à une sortie d'artiste solo. Mettant en vedette quelques morceaux de session d'élite de l'époque, y compris Steve Gadd à la batterie, le guitariste Lance Quinn et le bassiste Bob Babbitt, l'album est lié de manière experte par l'auteur-compositeur, arrangeur et chef d'orchestre Brad Baker. Cela vaut le coup de payer le superbe nugget disco-funk 'Funk Reaction'. Parmi les autres faits voilers, citons le seul titre écrit par Lonnie Smith sur l'album 'All In My Mind', qui brillait avec une belle qualité Stevie Wonder-esque et le flower slick 'When The Night Is Right', écrit par et mettant en vedette le guitariste Richie Hohenburger. Ailleurs, For The Love Of It et Brad Babbitt ont écrit Other Song et servent des saveurs classiques de jazz funk, toutes deux mettant en vedette le saxophone télor stellaire d'Eddie Daniels. Dans l'ensemble, l'album est un superbe exemple de la capacité de Lonnie Smith à fusionner le jazz avec des éléments de funk, de soul, de disco et au-delà, en expérimentant avec des idées tout en élargissant la portée de son public et de son attrait. Les fans de The Blackbyrds, de l'insécurité CTI / Kudu et de George Benson des années 70 von creuser cela!

Réaction Funk

Pistes : Messy Love baobab Je te garderai Esprit Réflexion Entrée Super Nova Amants Rester un moment Lo Mas Dulce Into Oya! Vagues de ventFormat: Vinyle (1 disque)Pays: USADate de sortie: 23 juin, 2017Étiquette: Mr BongoDimensions: 31,3 x 0,7 x 31,6 centimètres (0,06 kg)

Réflexion Spirituelle

Pour le deuxième opus de notre série Cuban Classics, nous vous présentons fièrement cette sublime tranche de jazz afro-cubain de 1976. Il s'agit de l'un des actes les plus influents de Cuba, le Grupo Irakere. Fondé en 1973 par Chucho Valdés (fils du pianiste et chef d'orchestre cubain Bebo Valdés), le groupe a accueilli au fil des ans de nombreux musiciens cubains parmi les meilleurs. Avec un style et un son électrisants, ils ont mélangé la musique traditionnelle cubaine avec le jazz, le funk et le rock. Cet album éponyme comprend le très aimé et heavy-hitter dancefloor Chequeré-Son, un chef-d'œuvre de funk latino-jazz avec des lignes de cornes à saveur de bebop cubain, des touches luxuriantes et un fanfaron des années 70. Bien que 'Chequeré-Son' soit la clé de voûte du disque, l'album est ponctué d'éclat à chaque tournant, de l'Iya Carlos Santana-esque avec son pouvoir latin percutant, à la 38 1/2 sensuelle, lisse et passionnée. Pressé par Areito Records, le label d'État cubain, cet album afro-cubain chéri réclame une réédition.

Pressage vinyle LP. Le batteur de jazz japonais respecté Akira Ishikawa ne veut pas qu'il ait enregistré l'album 'Uganda (Aube du Rock)' avec son groupe The Count Buffaloes. Pour cette offre initiale publiée en 1972 sur Toshiba Records, Akira Ishikawa nous emmene dans un voyage profond. Uganda (Aube du Rock) est une fusion de rock progressif et psyché avec des accompagnements de percussions africaines, dergy-wah wah blues-funk et sensibilités jazzy ; avec des genres différents qui se transforment et s'unissent au fur et à mesure qu'ils progressent. Loin de son album funk et afrobeat Back To Rhythm, réussite sur Mr Bongo en 2019, ce disque a un ton plus sombre, plus profond, abstrait et expérimental, l'auditeur étant engagé dans son tourbillon pour le tour. Ce disque ne tire aucun coup de poing. Pour cet album, Akira est rejoint par Hideaki Chihara à la basse, le guitariste Kimio Mizutani, qui sonne comme Peter Green au début des années 70, le percussionniste Larry Sunaga et le compositeur Takeru Muraoka. L'album est très recherché parmi les collectionneurs de psych, de prog et d'acid rock et, en raison de la nature rare des copies originales, ils ont un prix élu.

Ouganda (Aube du Rock)

Pressage vinyle LP. Édition. Les collectionneurs de disques, les producteurs et les créateurs de caisses comme un bon mythe de la création, et Skull Snaps qui S'appelle "début" disponible tout pour plaire. Un mystérieux trio de funk, qui a enregistré un album sous un nom curieux, l'a connecté dans une pochette qui rend plus à un album proto-métal, et l'a publié via un label (GSF Records) qui S'est plié peu de temps après? Tout point vers l'album Skull Snaps comme un seul objet totémique, emballé d'une manipulation qui prédit sa propre désinhumation près de vingt-cinq ans plus tard. Pour ceux qui l'ont enchanté, le maintien du mythe avantageux, à la fois pour leur réputation et pour leur conscience. De même, une édition non autorisée de 1995 sur Charley Records a retiré les crédits de la poche intérieure pour séparer avantage le disque de son contexte - ou peut-être par que le label ne pouvait pas tout à fait utiliser les noms d'artistes qu'ils n'avaient pas intention de payer Quoi qu'il en soit, posséder le message un droit de passage, comme l'a écrit un jour Amir Abdullah: "Si vous n'avez pas Skull Snaps dans votre collection, votre collection est faible."

Crânes à Pression

Various Artists Original Sound of Mali Vinyl. Artistes Musique originale du Mali

Divers Artistes Son Original de Mali Vinyle

Certains albums changent la donne dans un genre. Take OutKast'S Speakerboxxx / The Love Below ou Screamedlica de Primal Scream, ils observent, étudient, puis retournent ce qu'un album peut signifier pour un genre ou un moment dans le temps. Dès la première écoute du troisième album de Rubel, As Palavras, nominé aux Grammy Awards, Vol. 1 &amp; 2, vous pouvez envoyer sa force de transformation pour le genre MPB. Ici, nous voyons l'une des étoiles les plus brillantes de Rio, fusionnant le contemporain avec le classique, imprégnant la richesse du patrimoine musical du Brésil. Le résultat est une épopée maraudante de 20 pistes, incorporant des styles traditionnels tels que forr, MPB, pagode et samba avec le moderne baile funk, rasteirinha et hip-hop. L'album dégage un sentiment de liberté et de créativité, jonglant de maniere ludique et provocante avec le familier de l'avant-gardiste. Les pistes sont divisées en deux disques, naviguant dans des sentiments d'amour, de chagrin et de découverte, tout en équilibrant les thèmes de la violence, de la passion, de l'ironie et de l'affection. En collaboration avec certaines des artistes les plus estimées du pays tels que Gabriel do Borel, Liniker, Luedji Luna, Tim Bernardes et Ana Caetano, Rubel apporte cette fusion de styles, de sujets et de sauveurs sur la scène mondiale. Le grand ouvreur choral, Forr Violento (Instrumental) donne le ton de l'album, avec des références et des liens entre tradition et modernité partout. De la production d'Ana Frango Elétrico, le funk flexing, l'éclat samba-soul de 'No Vou Reclamar de Deus', au titre de l'album 'As Palavras', en collaboration avec Tim Bernardes, qui fusionne des influences MPB avec des éléments électroniques et des touches hip-hop De part et d'autre de l'album, le cadeau de Rubel est donné un espace pour briller. « Torto Arado » avec Liniker et Luedji Luna fait magnifiquement référence à l’injustice raciale, à la tragédie, à l’espoir et à l’ambition que l’on retrouve dans l’un des romans brésiliens les plus célèbres de ces derniers temps par Itamar Vieira. Ailleurs, Na Mo do Palhaço manifeste une marche satirique sur un homme d'âge moyen conservateur suicidaire, qui est sauvé par le miracle du carnaval. Parfums, l'album est doux et intime avec des morceaux comme 'Toda Beleza' avec Bala Desejo, ou l'ode à l'amitié 'Lua de Garrafa', composée avec le légendaire Milton Nascimento. À d'autres, les pluies tombent plus fort, avec des sons des favelas lacés à l'intérieur. «Putria! – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – – ', explorez l'univers de baile funk, avec BK' et MC Carol au micro, alors que 'Rubela' se déplace entre reggaeton, funk et hip hop. Ce dernier est un hommage à une influence clé de l'album, la star espagnole Rosala et son mélange parallèle de courant et de classique. En fin de compte, la beauté de cet album réside dans son concept. Au milieu d'un pays divisé, 'As Palavras Vol. 1 &amp; 2' vise à rassembler les genres et les générations, anciens dans des rythmes et des mots qui ont contribué à définir le Brésil à travers les âges.

Mr Bongo(99)

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